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Instalaciones Arte Público Inclusivas

Instalaciones Arte Público Inclusivas

Otras intervenciones destacadas son Artd de Martinez, Kara y Inwtalaciones Three Instalaciones Arte Público Inclusivas Marchers que Instalaciones Arte Público Inclusivas un Éxitos Legendarios Mundiales desplegado entre dos barrios, Instapaciones predominantemente mexicano y otro predominantemente negro, cuyos Artr no Instaalaciones relación habitualmente, pero durante el que personas de ambos barrios desfilaron codo con codo. El arte público como reflejo de la identidad : una de las principales formas en que el arte público impacta a las comunidades es sirviendo como espejo de su identidad colectiva. Este blog se traduce automáticamente con la ayuda de nuestro servicio de inteligencia artificial. Los interesados en el evento pueden registrarse para asistir a la recepción pública gratuita aquí.

Instalaciones Arte Público Inclusivas -

De monumentos a instalaciones interactivas. Fomentando la conexión y el orgullo cívico. Abordar cuestiones importantes a través de la creatividad.

Transformando las ciudades en galerías al aire libre. Cómo interactuar y apoyar el arte público en su comunidad? El arte público tiene la increíble capacidad de transformar lo mundano en extraordinario, aportando creatividad e inspiración a los espacios cotidianos.

Ya sea un vibrante mural en el costado de un edificio, una escultura que invita a la reflexión en un parque o una instalación interactiva en una bulliciosa plaza de la ciudad, el arte público tiene el poder de cautivar, involucrar y conectar a personas de todos los ámbitos de la vida.

Sirve como una representación visual de la identidad, la historia y los valores de una comunidad, al mismo tiempo que genera conversaciones y fomenta un sentido de orgullo.

En esta sección del blog, exploraremos el profundo impacto del arte público en individuos y comunidades , destacando su capacidad para inspirar, provocar pensamiento y crear un sentido de pertenencia. Inspirar la creatividad: el arte público sirve como catalizador de la creatividad , animando a las personas a pensar de forma innovadora y explorar nuevas ideas.

Al colocar el arte en espacios públicos, se vuelve accesible para todos, independientemente de su origen o estatus socioeconómico. Esta democratización del arte despierta la imaginación y anima a las personas a ver el mundo a través de una lente diferente.

Por ejemplo, la escultura "Amor" de Robert Indiana se ha convertido en un símbolo icónico de amor y unidad, inspirando a innumerables personas a expresar sus emociones y celebrar el amor a su manera. provocar pensamientos : El arte público tiene el poder de desafiar nociones preconcebidas y provocar debates que invitan a la reflexión.

Puede abordar cuestiones sociales , políticas y ambientales, llamando la atención sobre temas importantes que de otro modo pasarían desapercibidos. La estatua de la "Niña intrépida", frente al icónico Toro de wall Street en la ciudad de Nueva York, es un poderoso ejemplo de arte público que generó conversaciones sobre la igualdad de género y la falta de representación femenina en el liderazgo corporativo.

Al colocar la estatua en un lugar muy visible, obligó a las personas a enfrentar estos problemas de frente y cuestionar el status quo.

Crear un sentido de pertenencia: el arte público tiene la capacidad de crear un sentido compartido de identidad y pertenencia dentro de una comunidad. Se convierte en una representación visual de los valores, la historia y las aspiraciones de una comunidad.

Por ejemplo, la escultura "Bean" en el Millennium Park de Chicago se ha convertido en un símbolo icónico de la ciudad, que atrae tanto a turistas como a lugareños.

Se ha convertido en un lugar de reunión, un lugar para tomarse selfies y un motivo de orgullo para los habitantes de Chicago. El arte público tiene la capacidad única de fomentar un sentido de comunidad , ya que las personas se conectan y aprecian el arte que refleja sus propias experiencias y cultura.

transformar espacios : el arte público tiene el poder de transformar espacios ordinarios en entornos vibrantes y atractivos.

Las áreas aburridas y descuidadas pueden revitalizarse agregando arte, convirtiéndolas en destinos que atraigan a la gente. Wynwood Walls en Miami, Florida, por ejemplo, transformó un vecindario que alguna vez estuvo en ruinas en un próspero distrito artístico.

Los coloridos murales que cubren las paredes han atraído a turistas, artistas y empresas, inyectando nueva vida al área y creando un impulso económico para la comunidad. fomentar el diálogo y el compromiso: el arte público sirve como catalizador para el diálogo y el compromiso entre las personas.

crea una experiencia compartida que genera conversaciones y conexiones. Las instalaciones interactivas, como la exhibición "Infinity Mirrors" de Yayoi Kusama, permiten a las personas participar activamente en el arte, creando un sentido de propiedad y conexión.

Estas experiencias compartidas fomentan un sentido de comunidad y alientan a las personas a interactuar entre sí, rompiendo barreras y fomentando la comprensión. El arte público tiene el poder de transformar espacios, inspirar creatividad, provocar pensamiento, crear un sentido de pertenencia y fomentar el diálogo y el compromiso.

Sirve como una representación visual de la identidad, la historia y los valores de una comunidad , al mismo tiempo que fomenta las conexiones y el orgullo. Al sacar el arte de las galerías y llevarlo a los espacios cotidianos , el arte público enriquece nuestras vidas y realza la belleza de nuestro entorno.

El poder del arte público - Arte publico inspirar creatividad en los espacios cotidianos. El arte público siempre ha desempeñado un papel importante en la configuración del paisaje cultural de ciudades y comunidades.

Desde imponentes estatuas y monumentos que conmemoran personajes históricos hasta vibrantes murales que adornan las paredes de los edificios, el arte público tiene el poder de inspirar, provocar el pensamiento y unir a las personas.

Sin embargo, a lo largo de los años, el arte público ha experimentado una evolución notable, pasando de las tradicionales esculturas estáticas a instalaciones interactivas que interactúan con el público de formas nuevas y emocionantes.

Esta evolución no sólo ha transformado la forma en que percibimos e interactuamos con el arte, sino que también ha abierto vías para la creatividad en los espacios cotidianos.

Una de las tendencias más notables en el arte público es la creciente popularidad de las instalaciones interactivas.

Estas obras de arte fomentan la participación activa y el compromiso de los espectadores, difuminando los límites entre el artista y el público. Tomemos, por ejemplo, la instalación "Rain Room" de Random International, donde los visitantes pueden caminar bajo un aguacero sin mojarse.

Esta experiencia inmersiva no sólo cautiva los sentidos sino que también invita a las personas a convertirse en parte integral de la obra de arte misma. Los avances en la tecnología han jugado un papel fundamental a la hora de impulsar la evolución del arte público.

Los artistas ahora tienen acceso a una amplia gama de herramientas y medios que les permiten crear instalaciones interactivas y dinámicas.

La realidad aumentada AR y la realidad virtual VR han surgido como poderosas herramientas para que los artistas transformen espacios públicos en galerías virtuales, ofreciendo a los visitantes una perspectiva completamente nueva del arte.

Un ejemplo notable es el proyecto "Unframed" de JR, donde los visitantes pueden utilizar una aplicación de teléfono inteligente para ver las fotografías a gran escala del artista en realidad aumentada, combinando a la perfección los mundos real y virtual. fomentar la participación comunitaria :.

El arte público siempre ha tenido la capacidad de unir a las comunidades, pero las instalaciones interactivas llevan este concepto a un nivel completamente nuevo.

Al fomentar la participación activa , estas obras de arte fomentan un sentido de comunidad y experiencia colectiva. El proyecto "Before I Die" de Candy Chang es un excelente ejemplo de esto. Al proporcionar una pared de pizarra con el lema "Antes de morir, quiero La evolución del arte público también ha desafiado las nociones tradicionales de lo que constituye arte.

Si bien las esculturas y los monumentos estáticos siguen manteniendo su importancia, las instalaciones interactivas traspasan los límites de la creatividad e invitan a los espectadores a repensar su comprensión del arte.

La instalación "The Swing" de Tania Bruguera es un ejemplo que invita a la reflexión. Al colocar un columpio en un espacio público y conectar un micrófono que amplifica el sonido del columpio a una estación de radio cercana, la instalación desdibuja las líneas entre arte, juego y comunicación, lo que lleva a las personas a cuestionar la naturaleza misma de la expresión artística.

empoderar a los artistas y el activismo:. Las instalaciones interactivas han proporcionado a los artistas una plataforma poderosa para abordar cuestiones sociales y políticas urgentes. Estas obras de arte pueden servir como catalizadores del cambio y plataformas para el activismo.

El proyecto "Wishing Tree" de Yoko Ono es un testimonio de ello. Al invitar a las personas a atar sus deseos a un árbol, la instalación crea una voz colectiva para la esperanza y el empoderamiento, inspirando a las personas a actuar y generar un impacto positivo en sus comunidades. A medida que el arte público continúa evolucionando, tiene el potencial de remodelar la forma en que experimentamos e interactuamos con nuestro entorno.

Al adoptar instalaciones interactivas, tecnología y participación comunitaria, el arte público ha trascendido sus fronteras tradicionales, convirtiéndose en un catalizador de la creatividad, el diálogo y el cambio social en los espacios cotidianos.

De monumentos a instalaciones interactivas - Arte publico inspirar creatividad en los espacios cotidianos. Sección 1: fomentar un sentido de pertenencia. El arte público, a menudo visto como el alma de una ciudad, tiene un profundo impacto en las comunidades.

Tiene la capacidad única de fomentar un sentido de pertenencia, creando una conexión emocional entre los individuos y su entorno. El arte público encarna la identidad colectiva de una comunidad, reflejando su historia, cultura y valores. El arte público como reflejo de la identidad : una de las principales formas en que el arte público impacta a las comunidades es sirviendo como espejo de su identidad colectiva.

Los murales, esculturas e instalaciones suelen contar las historias de las personas que viven allí, preservando su historia y tradiciones. Por ejemplo, los Murales del Parque Chicano en san diego celebran la herencia mexicano-estadounidense de la comunidad local, brindando un fuerte sentido de identidad y orgullo.

Construir un tejido social más fuerte: el arte público une a las personas , fomentando las interacciones sociales y un sentido de propósito compartido. En el corazón de la ciudad de Nueva york , la icónica escultura "Amor" de Robert Indiana en Midtown Manhattan es un punto de encuentro tanto para turistas como para lugareños, creando un sentido de unidad y cohesión social.

Sección 2: estimular la creatividad y el diálogo. El arte público enciende la llama de la creatividad y abre la puerta a diálogos significativos dentro de una comunidad. Al desafiar nociones preconcebidas e inspirar nuevas perspectivas, estimula el crecimiento intelectual y anima a las personas a pensar de forma innovadora.

Provocar pensamiento y diálogo: Las obras de arte público controvertidas a menudo generan intensas discusiones, empujando a las personas a enfrentar problemas complejos. La estatua de la "Niña intrépida" frente al icónico Toro de Wall Street en la ciudad de Nueva York es un ejemplo vívido.

Provoca conversaciones sobre la igualdad de género y el papel de la mujer en el mundo empresarial, destacando el poder del arte público para provocar el pensamiento. inspirar a artistas locales: los espacios de arte público brindan una plataforma para que los artistas emergentes muestren sus talentos.

Wynwood Walls en Miami, con sus graffitis y murales de arte callejero en constante cambio, es un testimonio de cómo el arte público puede inspirar y empoderar a los artistas locales , ayudándolos a obtener reconocimiento en el mundo del arte.

El arte público no se trata sólo de estética; también puede ser un catalizador del crecimiento económico. Cuando se integra cuidadosamente en la planificación urbana, puede atraer visitantes, impulsar el turismo y revitalizar los vecindarios.

Atraer turistas y comercio: La famosa escultura "Bean" en el Millennium Park de Chicago, también conocida como Cloud Gate, se ha convertido en un símbolo de la ciudad y una importante atracción turística. Atrae a millones de visitantes anualmente, lo que contribuye a las empresas locales e impulsa la economía de la ciudad.

Revitalización de vecindarios: los proyectos de arte público pueden transformar áreas abandonadas en vecindarios vibrantes y prósperos. El festival en Honolulu ha dado nueva vida al distrito de Kaka'ako al adornar edificios con impresionantes murales, atraer artistas y provocar un esfuerzo de revitalización que se extiende más allá del arte y abarca la vivienda y el desarrollo comunitario.

El arte público tiene un impacto multifacético en las comunidades, que abarca un sentido de pertenencia, la estimulación de la creatividad y el diálogo y el potencial de crecimiento económico.

A medida que continúa evolucionando y dando forma a nuestros paisajes urbanos , el arte público demuestra que la creatividad no conoce fronteras y tiene el poder de crear una conexión profunda entre las personas y su entorno. Fomentando la conexión y el orgullo cívico - Arte publico inspirar creatividad en los espacios cotidianos.

El arte público tiene el poder de transformar los espacios cotidianos en entornos vibrantes y que invitan a la reflexión. Desde imponentes esculturas hasta coloridos murales, estas obras de arte no solo embellecen nuestras ciudades sino que también inspiran creatividad y provocan conversaciones.

En esta sección profundizaremos en el fascinante proceso detrás de la creación de arte público, arrojando luz sobre las distintas etapas y los esfuerzos colaborativos involucrados. El primer paso para hacer realidad el arte público es la fase de conceptualización y planificación.

Esto se debe lograr con guiones específicos dirigidos a cada tipo de público. Los visitantes en esta ocasión han sido personas que presentan un interés genuino en el arte, en la cultura, en su propia cultura y en sus representaciones.

Intentan llevar la experiencia en el museo a su contexto habitual, relacionando las piezas con hechos en su vida y actividades que ocurren en la escuela. Este elemento alude por completo a la metodología utilizada, pues se construyen y alimentan contextos socioculturales a partir de las nuevas experiencias.

Los elementos que son notorios en este primer ejercicio sirven para empezar a desarrollar matrices, en las que se lleva a cabo el registro de visitas, de palabras, de expresiones sobre necesidades, para que estas vayan dando forma a lo que será el ejercicio de inclusión en el Museo que es sujeto de estas acciones.

Se tienen así, las primeras ideas para ver que es a partir de la observación del contexto en que se desarrollan las personas con discapacidad visual, que se pueden desarrollar las herramientas y contenidos necesarios para que el acercamiento a los recintos museísticos resulte en acciones de animación cultural y aprendizaje significativo.

Este documento no es concluyente, pues el trabajo se mantiene con nuevos ejercicios y atendiendo a distintas necesidades, viéndose completado una vez que se concrete la propuesta para el Museo Dolores Olmedo y que los resultados puedan ser evaluados con vistas a posibles réplicas del ejercicio.

La identificación de necesidades como parte fundamental en la formación de públicos es un elemento imprescindible cuando se trata de generar herramientas de accesibilidad, pues sin esta identificación los elementos desarrollados caen en terreno árido, provocando el cierre de espacios y el abandono de actividades destinadas a aperturas necesarias y permanentes.

En esta primera revisión, se ha tenido la oportunidad de observar que son varios los elementos que deben ser tomados en consideración para lograr una accesibilidad real, acorde a las necesidades de las personas con discapacidad visual.

Si estos elementos son observados e integrados a ejercicios curatoriales y museográficos además de los que dependen de las áreas pedagógicas y de educación, seguramente estaremos presenciando situaciones en las que los visitantes tengan una mayor participación y más constante en los museos de nuestro país.

Si se observan los elementos que resaltan en este primer ejercicio de acercamiento a un espacio museístico, se puede notar que los comentarios y opiniones vertidas por los visitantes, tienen mucha relación con los elementos de contexto sociocultural presentados por Brogna, Bourdieu y Oliver; resumiendo los elementos en contexto, antecedentes, ubicación espacial, elementos adicionales al Braille, apoyos auditivos, y contexto del visitante; mismos que nos ubican en escenarios de revisión de particularidades conductuales, económicas, políticas, culturales, normativas, además de campos, hábitos, capitales culturales, más arquitectura, empleo y economía sumando los elementos presentados por los tres autores mencionados.

La misión es continuar realizando estos ejercicios de visita y plática con grupos de personas con discapacidad visual a los museos y en específico al Museo Dolores Olmedo, para así poder establecer más claramente de qué forma se pueden convertir las necesidades de visita en herramientas de accesibilidad integral.

La respuesta de la institución Museo , de la sociedad y de los propios visitantes conforme se vayan generando nuevos materiales que permitan que el entorno sea accesible, serán determinantes en todo momento para el logro de este trabajo y la accesibilidad real y significativa para las personas con discapacidad visual.

Ander-Egg, E. La práctica de la animación sociocultural. México: Conaculta. Brogna, P. Las representaciones de la discapacidad: La vigencia del pasado en las estructuras sociales presentes. Estudios de posgrado. México: UNAM. Consejo Nacional para prevenir la Discriminación [Conapred].

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Se considera que esta forma de operar basada en la imposición de un elemento escultórico característico por lo general no se llega a integrar en la zona, y frecuentemente resultan intervenidas o dañadas como muestra de protesta.

El parque de los planetas en Móstoles, Madrid, una sucesión de esferas que representan el sistema solar. La Mujer de Coslada de Antonio López , Coslada, Madrid un encargo del gobierno Estatal por valor de Mae West de Rita McBride Munich, es una construcción envuelta en controversia que fue aprobada e una votación municipal muy ajustada.

Sus partidarios argumentaban que era una obra importante que transformaba el espacio y revolucionaba el concepto de escultura, mientras que sus detractores opinaban que desmejoraba el espacio y cercenaba el flujo de movimiento peatonal.

Pese haber sido propuesta su instalación en otros espacios, Serra no ha querido volver a exponerla públicamente en otros contextos. The Destruction of Tilted Arc: Documents.

Cambridge, MA: The MIT Press. Una polémica por antonomasia es la que tuvo lugar en torno a Tilted Arc de Richard Serra Foley Square, NY La obra, una pared curvada de acero cortén de 36 metros de largo y casi 4 metros de alto, partía en dos la plaza y obligaba a modificar los recorridos peatonales.

Objeto de un airado debate público, fue retirada tras una demanda federal y supone un ejemplo característico de fracaso en la instalación de una obra artística prominente. Otra escultura de gran tamaño y polémica fue Vault Melbourne, Australia, , una obra de Ron Robertson-Swann comisionada por el Ayuntamiento.

En se decidió reubicar la obra, repetidamente vandalizada, al parque Batman, donde sirvió de refugio para personas en situación de calle. Finalmente, en , la escultura se trasladó al jardín delantero del ACCA, un centro de creación contemporánea. Arriba, Serra: East-West-West-East : Cuatro pilares de acero de 14 metros en la reserva natural de Brouq.

Derecha, Hirst: The Miraculous Journey qm. En Doha, Qatar, se promueven intervenciones de gran impacto que aporten identidad cultural a espacios de nueva construcción.

De entre las intervenciones se favorecen las escultóricas exentas a gran escala, como es el caso de la de Richard Serra East-West-West-East. La pieza de Damien Hirst The Miraculous Journey consiste en catorce bronces gigantescos de las sucesivas etapas de un embrión en su proceso de gestación, desde la concepción al nacimiento, culminando con un bebé de 14 metros de alto.

Los bronces están situados frente al Centro Médico Sidra, un centro de salud especializado en ginecología y pediatría. Es destacable culturalmente que la política pública qatarí proponga a dos de los artistas contemporáneos más caros del momento la realización de obras monumentales de imposición, carentes de ninguna consideración del espacio como terreno público para la ciudadanía.

El caso de Hirst supone una evidente aportación posicionada en un debate político que continúa restringiendo la capacidad de decisión reproductiva y los derechos de las mujeres en uno de los países con mayor desigualdad en libertad civil entre géneros del mundo.

The Shadow Esther Shalev-Gerz, Vancouver, Canadá, es una instalación consistente en adoquines de distintas tonalidades en la superficie de por 25 metros de la plaza de la Universidad. La sombra conforma la silueta de un abeto de Douglas a lo largo de la plaza, que está situada en el territorio ancestral tomado del pueblo Musqueam.

Invitan al paseante a considerar la escala de los árboles que crecían en ese espacio y el cambio que ha tenido lugar en un periodo de tiempo relativamente breve. Establece un diálogo entre presencia y ausencia, entre cultura y naturaleza, entre el pasado y el potencial futuro.

La superficie del interior de los marcos está tratada para que se pueda escribir con tiza, permitiendo así las aportaciones de residentes. En Madrid, la calle de las Huertas exhibe citas literarias en latón insertadas en los adoquines a lo largo de su recorrido, aludiendo a las figuras de literarias que nombran las calles del barrio.

Izquierda, Carlos Cruz Díez: Crosswalks of Additive Color Colchester, Reino Unido. Derecha, Carlos Cruz Díez: Crosswalks of Additive Color Miami, EEUU cruz-diez. Fotografía Gústi Productions youtube. Las intervenciones pictóricas sobre pasos de cebra cumplen con el objetivo vial de llamar la atención de modo que los vehículos reduzcan la velocidad al aproximarse.

En Seattle, existe un programa de diseño para las tapas de alcantarillas que proviene de una iniciativa de los años , en la que el Ayuntamiento comisarió a tres artistas para diseñar cubiertas.

El programa tuvo tan buena acogida que se reactivó en el año En Japón las cubiertas únicas son ya un elemento establecido identitario que atrae visitantes a distintas ciudades en busca de los diseños característicos.

The Square of the European Promise Bochum, Alemania, es otra obra de Jochen Gerz, comisionada por la ciudad de Bochum, en la que se invita a los residentes y otros ciudadanos europeos a participar en la creación de una nueva plaza, contribuyendo su nombre y una promesa de carácter personal hacia Europa, que no se desvela explícitamente.

En el pavimento de la plaza se grabaron los The Square of the European Promise busca contraponer una lista de nombres de personas vivas, sus promesas y la idea compartida de un futuro europeo.

La promesa individual de los participantes supone un manifiesto invisible compuesto por una multitud de voces y culturas representativa de la Europa de hoy. The Public Bench Coventry, UK, es la segunda obra de Jochen Gerz en la ciudad.

Consiste en una pared curva de hormigón, de 45 metros de longitud, en la que están instaladas 4. En esta ocasión, el proceso participativo consistió en un llamamiento a la población, a la que se le solicitaba enviar parejas de dos nombres: El de quien participaba, el de otra persona, y una fecha.

Estos datos se grabaron en cada una de las placas instaladas en el muro. Los motivos para la elección del segundo nombre no fueron revelados. Podía ser cualquier persona, actual o fallecida, o un personaje de ficción.

En muchos casos, la emoción que conectaba los nombres fue expresada de forma voluntaria Simpatía, admiración, apoyo, amor. Cada envío estaba basado en una decisión personal que no fue revelada ni evaluada. Art Wall Gallery en Nábřeží kapitána Jaroše Praga 7, República Checa es una galería sobre la superficie de un muro de contención que delimita un parque que está a una cota más alta.

Este muro separa el parque de vía muy transitada -una arteria de circulación de varios carriles y líneas de tranvía-, que limita en su otro lado con el río Vltava.

La acera peatonal junto al muro es muy estrecha, provocando que el trayecto peatonal por esta sección de la calle se realice por la acera del lado del río. Art Wall Gallery consiste en una serie de exposiciones temporales, de naturaleza gráfica o fotográfica, sobre los huecos planos del muro.

Las intervenciones murales suponen el exponente más visible del arte urbano contemporáneo. Su aparición suele ser a través de festivales y organizaciones que conectan artistas gráficos con los propietarios de los muros y tienen ocurrencia anual. Al programar a artistas populares contemporáneos se produce una cierta tendencia gráfica que hace eco de las estéticas imperantes sobre el paisaje, como es el caso de Rebobinart o Madrid Street Art Project, que entre otros proyectos han organizado varias ediciones de Muros Tabacalera o Pinta Malasaña.

com rebobinart. En Madrid, el festival Urvanity anual, desde a la actualidad organiza intervenciones murales conectando patrocinadores privados Tuenti Urban Art, Mahou, etc con galerías, que proponen a un artista para cada muro seleccionado.

Muestras del festival Art en Ville: Claude Blo Ricci en Rouen arriba y Adrien Ladmiral en París abajo artenville. Mur0ne es un artista canario que realiza intervenciones plásticas basadas en motivos geométricos y una vívida paleta de color.

Destacan sus intervenciones sobre infraestructura de transportes Boston, , Comisariado por Street Theory Gallery o pasos peatonales Canarias, murone. La Gasolinera fue un centro cultural del distrito Guindalera entre y establecido en una parcela municipal cedida que antes ocupaba una gasolinera.

En uno de sus muros se estableció un programa de mural sucesivo, en que cada ciertos meses un artista del barrio realizaba una propuesta. Caras del barrio fue la intervención inicial realizada en El proyecto Titanes es una iniciativa que promueve la inclusión social a través del arte, creando un museo de arte público sobre silos abandonados de la provincia de Ciudad Real.

Seleccionan artistas locales e internacionales para realizar los diseños, y la ejecución tiene lugar junto con personas con diversidad a través de la organización Laborvalía. Una de las obras del proyecto es Meseta del artista Eltono en Manzanares Ciudad Real, Castilla La Mancha en la que, con el colectivo Equipo Plástico, pintan un silo con motivos paisajísticos, basada en la vista aérea del entorno.

com eltono. Mural Arts Philadelphia, Pennsylvania es un programa de arte comunitario, el más extenso de EEUU, que lleva a cabo entre 50 y proyectos públicos anuales en formato mural colaborativo.

Su proceso pasa por conectar agentes, constituyendo para cada proyecto un equipo de individuos —artistas, participantes, residentes, financiadores, organizaciones— en torno a distintas áreas de intervención: -Art Education trabaja con Institutos de Secundaria, organizando programas artísticos extraescolares.

Arriba, Eric Okdeh: History of Philadelphia Fire Department, Arch Street. Fotografía de Steve Weinik. Abajo, Ian Pierce Artes Ekeko : Families Belong Together.

Su objetivo es dar voz creativa a personas que se han sentido desconectadas de la sociedad de forma continuada, dándoles la oportunidad de hacer contribuciones positivas en los barrios afectados mediante un programa que combina la formación artística, la ejecución de nuevos murales y otros trabajos de servicio comunitario.

El programa de aprendizaje The Guild el gremio incluye formación en reparación e instalación de muros, instalación de piezas de mosaico, paisajismo, carpintería e instalación de andamios. City Hall Courtyard, Philadelphia, Trabajan a través de procesos participativos, estableciendo espacios para el diálogo y creando murales.

Este programa consigue mejorar la sensación de seguridad del barrio en marcadores objetivos: mejora del arraigo a la zona, mayor sentimiento de comunidad y mejor perspectiva hacia el futuro, tal como muestra un estudio de la Universidad de Yale de Después de un año, residentes en un radio de 1 milla de un mural nuevo anuncian una mejora en la cohesión social y confianza entre vecinos, así como mayor control social no formal.

Se produce una mejora en la percepción de seguridad del barrio y su calidad estética y una bajada relativa de la estigmatización de individuos con problemas de salud mental o abuso de sustancias. En el estudio se muestra que la metodología cumple objetivos mediante un incremento de la percepción de eficacia colectiva, lo cual genera una mejor sensación hacia el grupo.

Los murales de nueva creación se organizan mediante comisiones, poniendo en relación el trabajo de artistas contemporáneos con temáticas ancladas en lo comunitario, cuidando la relación con el espacio donde irá el mural y sus residentes.

Además de crear nuevos murales, esta organización se encarga del mantenimiento y restauración de sus murales antiguos. Molly Egan y Jim Houser: Instalación temporal sobre escaparates vacíos, West Elm, Chestnut Street. También promueve una iniciativa por la que se instala obra gráfica en los paneles o andamios que cierran escaparates de tiendas vacías en el centro histórico.

En , durante la pandemia del Covid, Mural Arts colabora con el Ayuntamiento en la fabricación de paneles murales que acompañan estaciones de lavado de manos destinadas a la población sin hogar, con el objetivo de mitigar sus posibilidades de contagio.

En Chicago también existe una amplia tradición de murales de vecindario, iniciativas que legitiman y monumentalizan movimientos sociales a través del mural colectivo. Wall of Respect es el primer mural colectivo creado por la OBAC Organization of Black American Culture , en el que se amalgaman las contribuciones de catorce diseñadores, fotógrafos y artistas.

Algunos participantes fueron luego fundadores del colectivo artístico AfriCOBRA. El mural representa un montaje de retratos de figuras relevantes de la historia afroamericana, entre ellas Nat Turner, Elijah Muhammad, Malcolm X, Muhammad Ali, Gwendolyn Brooks, W.

Dubois, Marcus Garvey, Aretha Franklin, y Harriet Tubman. Fue un ejemplo del Black Arts Movement, una escuela asociada con el Black Power Movement. pg — Esta instalación toma el título del trabajo homólogo de Gordon Matta-Clark de , en el Pier 52 de Nueva York.

Este muelle fue en los años 70 un centro de intervención artística y liberación sexual. Matta-Clark intervino el almacén de sal, una nave industrial construida en el siglo XIX que daba al río Hudson. Matta-Clark fue pionero en la intervención sobre volúmenes construidos, que abría a los elementos, modificando la percepción del espacio, poetizándolo y creando lugares de excepción que marcaban hitos en el tejido urbano.

Su obra tuvo siempre un carácter efímero, siendo ejecutada en edificios con orden de demolición o grandes espacios industriales en desuso. Arriba: Imágenes del muelle original sobre el que intervino Gordon Matta-Clark, ahora demolido Pier 52, NY, Abajo, propuesta de David Hammons , en proyecto.

El valor del arte como servicio y a veces floritura está tan estrechamente relacionado con las creencias occidentales en el derecho a la libre expresión que se puede decir que, en nuestra sociedad, el estado del arte es una medida del estado de la libertad.

Fue visitado y alabado por la crítica artística hasta su demolición. Esta estructura supone un tributo a la obra de Matta-Clark, y también rinde homenaje a la historia de los muelles neoyorquinos, un emplazamiento de importancia histórica en la era industrial que sirvió de punto de encuentro para la comunidad gay.

En esta exposición se incluyen trabajos de la colección en torno al proyecto seminal de Matta-Clark. Trust, tendrá que costear el mantenimiento de la isla una vez construida. En las negociaciones que se llevaron a cabo para construirla, Diller prometió que su familia se encargaría de los costes de mantenimiento y programación de los primeros 20 años.

El Hudson River Park Trust se creó en con el objetivo de remodelar el frente del agua de Manhattan. Se planteaba obtener los presupuestos a través de los alquileres comerciales de muelles ya remodelados y mediante donaciones privadas.

La existencia de esta Fundación ha limitado la extensión de Diller, velando por los intereses del espacio público y natural del río.

La ciudad de Nueva York está desarrollando varios proyectos de regeneración, principalmente a través de agentes privados, en la zona de los muelles, lo que era el antiguo puerto industrial de la ciudad.

Para asegurar su futura buena acogida, el museo ha presentado y discutido previamente la propuesta con los residentes locales. Little Island fue inaugurada en Mayo de La Fundación pública que lo mantendrá, the Hudson River Park. Heatherwick Studio y Arup aparecen en otra propuesta urbanística de gran presencia y polémica en Londres: Garden Bridge.

El Monumento a Pedro Almodóvar - Encuadre Manchego Calzada de Calatrava, Castilla La Mancha, es una instalación de Enproyecto Arquitectura que ganó el concurso del gobierno local para rendir tributo a la filmografía del director y referenciar la cultura y paisaje manchegos, lo cual se enmarca literalmente mediante la cubierta y escalones diseñados en un parque a las afueras del municipio.

El Monumento contra el Fascismo Jochen Gerz y Esther Shalev-Gerz, Hamburgo, fue un monumento diseñado para desaparecer, consistente en una columna de metal con cubierta de plomo. A finales de los años 70 en Hamburgo empezó a darse un resurgimiento de actividades neofascistas.

De esta manera, nos comprometemos a mantenernos alerta. Según se vayan añadiendo nombres y cubriendo los 12 metros de altura de esta columna, la iremos haciendo descender gradualmente al suelo hasta que desaparezca por completo. Al final, solo somos nosotros los que podemos alzarnos contra la injusticia.

Se calcula que firmaron En la actualidad, completamente hundido, el monumento consiste en una placa conmemorativa a ras del suelo. En los acuerdos de La Habana para la desmovilización de las FARC se acordó realizar tres obras de arte con las armas entregadas e instalarlas, respectivamente, en Bogotá Capital de Colombia , Nueva York sede de la ONU y La Habana donde se firma la paz.

Bajo esta iniciativa, en Nueva York, Mario Opazo realiza Kusikawsay; en Bogotá, Doris Salcedo realiza Fragmentos; la tercera obra a exponer en La Habana no ha sido anunciada aún.

Mario Opazo: Kusikawsay es un segmento de canoa que surge de la tierra y se dirige al cielo. Vista desde atrás ofrece una forma apuntada, como una bala gigantesca, mientras que el frente presenta la estructura cóncava de una canoa.

Esta pieza fue instalada en el jardín de la ONU en Nueva York y tiene una sorprendentemente escasa cobertura informativa. Doris Salcedo: Fragmentos en Bogotá es un contra monumento hecho con 37 toneladas de armas entregadas por las FARC entre y Las armas fueron fundidas y configuradas como losas de superficie irregular de 3 cm de grosor.

Preferí no construir un monumento porque, como su nombre lo indica, el monumento es monumental; jerarquiza y presenta una visión triunfalista del pasado bélico de una nación. Su principal función es someternos o empequeñecernos como individuos frente a una versión grandiosa y totalitaria de la historia.

El monumento era posible en el siglo XIX, cuando las naciones creían que poseían una conciencia y una cultura totalmente unificadas. En este momento histórico de Colombia, carecemos de símbolos que puedan ser convertidos en monumentos capaces de otorgarle a la sociedad en su conjunto una versión única de lo que nos ocurrió durante estos largos años de conflicto.

Sin embargo, una sociedad fragmentada y heterogénea como la nuestra puede tratar de unir sus experiencias y memorias divergentes en un espacio común. Hoy nos encontramos en este contra monumento titulado Fragmentos, que será un museo de arte contemporáneo y memoria, cuyo piso o fundamento está literalmente conformado por las armas depuestas por la antigua guerrilla de las Farc.

Dichas armas fueron fundidas y reconfiguradas como el soporte físico y conceptual sobre el cual se erige este lugar de memoria. Parada sobre este piso, cualquier persona se encuentra en una posición equitativa, equilibrada y libre, desde la cual es posible recordar y no olvidar el legado de la guerra.

Este espacio tiene la tarea de acoger memorias antagónicas para así generar desde aquí una gran polifonía de voces discordantes.

Fragmentos conforma un lugar desde unos diálogos difíciles y provocadores que tendrán lugar; diálogos que, al igual que los de La Habana, nos permiten deslumbrar las posturas y mundos que nos son ajenos. Stolpersteine Gunter Demnig, diversas localizaciones, actualidad es un proyecto de colocación de adoquines de latón frente a la entrada de los edificios identificados como la última dirección conocida de víctimas de violencia nazi.

Estas placas son grabadas con el nombre y la fecha de su deportación o desaparición. Es también una pieza acerca de la memoria, de escala humana y no monumental, por tanto también funciona como contra-monumento en tanto que es un espacio de implicación sostenida e interacción individual.

El proceso de investigación para la identificación de inmuebles y nombres continúa, y en la actualidad las investigadoras pertenecen a generaciones jóvenes, más distantes de la guerra, cumpliendo así con una cierta función didáctica en cada comunidad.

En , la ciudad de Munich prohibió las Stolpersteine en su ámbito por considerarlas una monumentalización poco digna formalmente. La intervención contó con ayuda de las 61 comunidades judías de Alemania.

Los adoquines fueron instalados de forma distribuida, sin marcar en la superficie vista, entre los en total que conforman la Avenida. Esta localización se sitúa frente al Schloß en Saarbrücken, el asiento del parlamento municipal y lo que había sido el gobierno administrativo regional bajo el régimen nacionalsocialista.

Denkmal für die ermordeten Juden Europas Memorial del Holocausto Berlín, es un monumento diseñado por Peter Eisenman y Buro Happold que consiste en un campo inclinado con 2.

No hay indicaciones de comportamiento, ningún lugar más sagrado que otro. Como contra-monumento, el espacio reclama implicación física y psicológica por parte del visitante, pero al no definirla abre la posibilidad de establecer conexiones con la realidad vivida del espacio público en aspectos tanto sagrados como profanos.

La propuesta de memorial de Jonas Dahlberg Memory Wound fue motivo de gran polémica tras su anuncio. El memorial en recuerdo a las víctimas de la masacre de Utøya Noruega, consistía en un corte dramático que seccionara una lengua de tierra de la península de Sørbråten, frente a la isla de Utøya.

Sus partidarios apuntaban lo acertado conceptualmente de la propuesta en su representación de una pérdida irrevocable. Los detractores, principalmente las personas residentes, se movilizaron en contra de un recordatorio tan contundente de la tragedia.

Finalmente la propuesta fue rechazada y 3RW realizó el monumento de memoria, un aro metálico con los nombres de las víctimas suspendido de ramas bajas en un bosquecillo apartado.

Jeff Koons realiza Bouquet of Tulips como homenaje a las víctimas del atentado de París de Al anunciar su instalación en una plaza prominente parisina se produjeron grandes protestas, alegando oportunismo y poca adecuación de la obra.

Finalmente, tres años después, se instaló cerca de la embajada de EEUU en París, relacionando la obra con la historia de amistad entre los dos países. Passages: Memorial to Walter Benjamin de Dani Karavan Portbou, es un memorial que homenajea al filósofo alemán, quien fue impedido el paso en Portbou en en su huida política hacia EEUU.

Durante la detención la policía local le informó de su inminente deportación a las autoridades francesas, y la consiguiente entrega a las autoridades nazis.

Benjamin se suicidó esa noche en el Hotel Francia de Portbou en el que estaba arrestado. En la Generalitat catalana y el gobierno alemán comisionaron al escultor israelí Dani Karavan a diseñar un memorial, que se sitúa en un acantilado adyacente al cementerio en el que está enterrado el filósofo.

La obra consiste en dos pasajes. El primero es una escalera que atraviesa el acantilado y desciende hacia el agua. Los escalones se pueden bajar hasta alcanzar un panel de vidrio que impide seguir el paso. El segundo pasaje son cinco escalones embocados al camino hacia la tumba de Benjamin.

Los escalones crean una línea visual que termina en un olivo con el mar Mediterráneo detrás. Karavan utiliza los olivos como símbolo de reconciliación. El memorial de luz KZ-Aussenlager Berlín, se sitúa sobre lo que fue un campo de trabajos forzados, ahora un campo deportivo.

El artista Norbert Radermacher ideó este un monumento transitorio que utiliza proyecciones de texto acerca de la historia del lugar, que son accionadas con un sensor que detecta el movimiento peatonal. El texto aparece en una esquina y se desplaza lentamente hasta llegar a la acera, donde es más legible, antes de desaparecer.

Esta instalación ocupa un espacio entre presencia y ausencia, evocando la idea de memoria y la necesidad de establecer recordatorios continuos del pasado.

Tony Oursler: Tear of the Cloud Nueva York, es una proyección de vídeo sobre superficies industriales y arbóreas en el entorno del río Hudson. Los vídeos referencian saberes populares locales y van acompañados de una banda sonora que alude al efecto mnemótico del río y los temas entrelazados con sus aguas.

Izquierda, Wodiczko: Bunkerhill, Boston, Abajo: Wodiczko: Homeless. Place des Arts Place des Arts, Montreal, Quebec, Arco de la Victoria, Moncloa, Madrid, Krzysztof Wodiczko es un artista que realiza videoproyecciones a gran escala sobre fachadas y monumentos. Desde los años 80 su obra se configura en torno a la población marginalizada y el espacio público, proyectando una capa añadida que resignifica la superficie proyectada.

También diseña e implementa instrumentos móviles para trabajar con personas en situación de calle, migrantes y otras marginalidades, en torno a la supervivencia, la comunicación y la expresión en el espacio público.

Destacan sus proyecciones sobre arcos de victoria, obeliscos o estatuas de patriarcas nacionales, en las que mediante mensajes y símbolos contemporáneos aporta una mirada crítica y una profundidad a lo monumentalizado, en muchos casos mediante imágenes de personas anónimas cuya presencia retuerce la superficie proyectada y la cuestiona.

Holzer: Protect me from what I want, Times Square, NY, Holzer: Mass MoCA, Massachusetts, Jenny Holzer trabaja con instalaciones LED y videoproyecciones realizando piezas poético-políticas basadas en el texto y en la yuxtaposición entre el mensaje y el lugar sobre el que se exponen.

Digital Natives Vancouver, es un programa de proyección de tweets en una marquesina de anuncios de gran visibilidad en la ciudad. Fue organizado por el Public Art Program de la ciudad de Vancouver y comisariado por Lorna Brown y Clint Burnham, con el objetivo de visibilizar mediante tecnología moderna palabras de artistas aborígenes que trabajan en formatos tradicionales.

Los mensajes, de diez segundos de duración, resaltan la consciencia de un lenguaje en vías de extinción, y los temas que contienen muestran la historia de un pueblo y su relación con la tierra, problematizada sobre el territorio de una localización específica.

Fue presentada en en la Documenta7. Con la ayuda de personas voluntarias, Beuys plantó 7. La pieza era una intervención a largo plazo y gran escala con el fin de alterar el espacio vivo de la ciudad. Agnes Denes: Tree Mountain - A Living Time Capsule: 11, Trees, 11, people, years es un proyecto para la zona finlandesa de Pinziö, cerca de Ylöjärvi.

El gobierno finlandés decidió ejecutarlo como propuesta oficial para la Cumbre del Clima de El proyecto, de alcance comunitario, implica a Denes está diseñando en la actualidad un Plan General de ordenación a 25 años para el Nieuwe Hollandse Waterlinie, en Holanda.

Su objetivo es unir una línea de km de largo de fortines de los siglos XVI al XIX incorporando gestión de aguas, planificación urbana, preservación histórica, paisajismo y turismo en el plan.

Sky Mound Nueva Jersey, de Nancy Holt es una intervención sobre un antiguo vertedero en el que la artista de land art rediseña el sitio, transformando el vertedero en un observatorio, parque escultural y zona verde. Holt buscaba realizar modificaciones en el espacio que lo estabilizaran para el uso de recreo y atrajera a fauna local, pero también declara su intención de atraer la atención sobre la complejidad del sistema de residuos, haciendo énfasis como hace durante toda su obra en el ciclo solar y las estaciones.

El plan inicial, más ambicioso, contemplaba incorporar caminos de grava alineados con los solsticios, una esfera de gunita rodeada por un foso que representara la luna, un sistema de chorros por los que se liberara el metano contenido en el suelo, y un estanque que atrajera fauna local y drenara agua superficial del vertedero.

El estanque es lo único del diseño que se llegó a realizar, mienstras que el resto del diseño fue pospuesto indefinidamente. Holt: Sky Mound Grafito sobre papel. Izquierda: La High Line en su estado actual y previo a la restauración. de arriba a abajo: Duane Linklater: pêyakotênaw, Obra de un artista perteneciente a la Moose Cree First Nation de Ontario, Canada, que incide en los artefactos nativos americanos con estos cinco tipis monumentales.

Marinella Senatore: GIVE YOUR DAUGHTERS DIFFICULT NAMES, Es una de las instalaciones anuales que busca activar la parte inferior de la High Line. Se calcula que en EEUU residen 11 millones de migrantes sin papeles. Este signo de neón, en inglés por un lado y español por el otro, declara esta cifra con aplomo y presencia monumental.

Todas las imágenes Timothy Schenck, Cortesía de High Line Art. The High Line en Nueva York es un buen exponente de la reintegración de un elemento urbano que, a través de actuaciones artísticas y de naturación, transforma un punto muerto urbano en un eje cultural y paisajístico.

En los 60 la ciudad se propuso eliminar la estructura fantasma de raíles elevados, que era una zona de abuso de sustancias y personas sin hogar. Contrapuesta a la idea de retirar la estructura aparece la propuesta de mantenerla y restaurarla, definiendo un eje artístico elevado.

Ensanchando los raíles se construye una pasarela de 2,3 km de longitud que incorpora zonas de asiento, intervenciones artísticas permanentes y temporales y una presencia prominente de elementos de jardinería. Tras su inaguración se establece The High Line Network, un compendio de proyectos de reutilización de infraestructuras desde la perspectiva del arte para uso público.

En el diseño del Parque del Puente de Brooklyn se comisionó a varios artistas contemporáneos para realizar obras site-specific que se integran en los recorridos. La idea de integrar actuaciones artísticas dentro del proceso de diseño recorre también a pequeña escala el programa de cooperación del Ayuntamiento de Granollers Catalunya Fem un jardí : Una colaboración entre distintas escuelas para el diseño de una zona verde y de juegos, en el que se incluyen las ideas de quienes van a utilizar las instalaciones.

Se realiza en varias localizaciones del municipio, siempre en colaboración con centros educativos locales. Trash Academy es una iniciativa de Mural Arts en Philadelphia Pennsylvania , cuyos proyectos promueven la organización de bases, la educación pública y la creación de soluciones colaborativas e innovativas en torno a la gestión de residuos, a través del arte y la sostenibilidad.

Entre sus propuestas destacan su trabajo con jóvenes en riesgo de exclusión y sus intervenciones: Materiales en forma de mobiliario urbano -como la realización de maceteros y papeleras, o la intervención pictórica sobre casetas de servicios y buzones-; y también inmateriales, como sus campañas de concienciación que incluyen diseño de pósters, videos de difusión y otros formatos.

Las papeleras que realizan a partir de residuos seleccionados cromáticamente se sitúan en la intersección entre naturación y mobiliario urbano. org muralarts. Trash Academy: Corner Activation. Philadelphia, Fotografías de Steve Weinik. El proceso participativo de la artista implicó a residentes en el diseño de las imágenes de los toldos de las pérgolas y en la elección de la localización de cada asiento.

Nordluester, de Sonja Vordermaier Hamburgo, es una instalación de lámpara de araña sobre soporte de luminaria municipal. Streetlampforest, de Sonja Vordermaier Rosenheim, es una instalación en un parque de un cúmulo de 30 farolas de distintas épocas y ciudades europeas.

Funciona como hito visual y como luminaria. Urban Light Los Ángeles, de Chris Burden es una escultura que ensambla farolas antiguas de los años 20 y 30 recuperadas de distintos barrios de Los Ángeles.

En Christchurch, Nueva Zelanda, SCAPE Public Art crea instalaciones de arte público con el objetivo de dotar a la ciudad de mayor identidad e interés turístico. Una de las obras es una instalación progresiva de farolas donadas por parte de 21 ciudades del mundo, como un gesto de solidaridad con Christchurch durante su recuperación y reconstrucción tras la serie de terremotos que entre y provocaron el derrumbe o la demolición de miles de edificaciones.

La colección de farolas baña de luz variada una sección de una de las calles principales de la ciudad. Art Interruptions son obras de arte instaladas en aceras y parques que tienen el objetivo de animar el tránsito cotidiano mediante la sorpresa, la contemplación, o el humor.

Los trabajos, de naturaleza temporal y pequeña escala, han de diseñarse para poder instalarse en infraestructura municipal marquesinas, árboles, farolas, postes, casetas de instalaciones, etc. El programa tiene una duración de dos años. Diferentes ciudades han llevado a cabo intervenciones sobre cabinas teléfonicas, un elemento frecuentemente en desuso pero de obligada presencia en el espacio público como infraestructura de comunicaciones.

En Sao Paulo se realizó un festival en colaboración con la compañía telefónica VIVO, propietaria de las cabinas. Las intervenciones varían desde lo pictórico que respeta la función de la cabina hasta proponer distintos usos para el elemento como en el caso de Reino Unido, donde las cabinas se convierten en bibliotecas comunitarias, cabinas de desfibrilador o duchas públicas.

Mark Reigelman: Smökers NY, es una serie de cabinas de madera instaladas sobre salidas de vapor del suelo, un emplazamiento que habitualmente se cubre con tubos de plástico naranja.

Estas cabinas temporales cumplen la función de recolectar y dejar salir el vapor de las calefacciones a mayor altura que el suelo, aportando una capa añadida al imaginario.

Building a new… for the homeless, kiosk. En los años 90 San Francisco promovió una serie de intervenciones pictóricas en las marquesinas publicitarias y quioscos de prensa, en el espacio destinado habitualmente a publicidad. Las obras seleccionadas eran trabajos de artistas locales y tenían que ver con inquietudes populares del momento, aludiendo a la idea de ciudad desde distintos puntos de vista.

Otras convocatorias abiertas estadounidenses son las relativas a infraestructuras de movilidad.

La exposición Instalacones a un grupo de artistas de América Latina y el Caribe que Rebajas en Moda de Lujo en Jugadas de Poker Ganadoras, Instalzciones Jugadas de Poker Ganadoras al desafío Inc,usivas promover ciudades nIclusivas inclusivas. Mediante un proceso colaborativo estos artistas plantean preguntas relacionadas con el desarrollo urbano, que son respondidas a través de sus instalaciones, fotografías, arte callejero, muralismo y paisajes sonoros. Esta exposición concentra diversas preguntas que dan voz a grupos subrepresentados y ofrece una nueva perspectiva sobre la vida urbana. Esta es la primera vez que el Centro Cultural del BID invita a artistas de Washington a compartir sus ideas sobre enfoques más equitativos para el desarrollo urbano. Washington, D. EVANSTON, IL. Cada año, las mariposas monarcas realizan largos viajes desde el IInstalaciones de abetos de oyamel, en el centro Inclksivas México, hasta Jugadas de Poker Ganadoras. Las Jugadas de Poker Ganadoras Instalaicones color naranja brillante también Instalacionnes han convertido en un símbolo de la Instalacionee en que los seres humanos viajan a través de las fronteras. Los participantes pintaron las primeras mariposas en la Robert Crown Community Block Party Fiesta callejera para la comunidad de Robert Crown celebrada en septiembre de y, después, volvieron a hacerlo en la hora de cuentos familiar para celebrar el Mes de la Herencia Hispana ese mismo año. Los toques finales se añadieron en un Tomar y Pintar bilingüe celebrado en Temperance Beer Co. en marzo de Instalaciones Arte Público Inclusivas

Author: Nejar

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